Искусствоведение (сводная)

В эфире радиоканала «Орфей» в течение нескольких лет звучала авторская программа журналиста, писателя и ведущей Ирины Семеновны Кленской «Хороший тон. Прогулки по Эрмитажу» — о великих сокровищах и людях, которые их берегут, и, конечно же, включавшая беседы с директором Государственного Эрмитажа Михаилом Борисовичем Пиотровским о жизни, о смыслах, об искусстве, об истории и памяти. Однажды появилась дерзкая мысль превратить радиопрограмму в книгу. Михаил Борисович подумал и сказал: «Почему нет? Давайте рискнем!» И вот перед вами эта книга.

Издание включает в себя задания, контрольные вопросы по всему курсу дисциплины «Мировая культура и искусство». Рабочая тетрадь предназначена для самостоятельной работы и призвана активизировать познавательную деятельность студентов. Издание составлено в соответствии с разделами рабочей программы дисциплины. Рабочая тетрадь предназначена для студентов всех направлений и специальностей очной и заочной форм обучения. Утверждено методической комиссией ИМЭК.

Пропорциональное соотношение, называемое «золотое сечение», «золотая пропорция» или «гармоническое деление», фиксировалось в Природе, Науке и Искусстве великими учеными, художниками, скульпторами и архитекторами античного мира, эпохи Возрождения, современности. Ученые, мыслители, крупные мастера искусства СССР, Франции, Великобритании XIX–XX в. изучали это удивительное явление, воочию транслирующее научное и художественное познание человеком окружающего мира. Информация о золотом сечении всегда занимала почетное место на страницах академических изданий и вузовских учебников, хотя и не является панацеей для создания идеального продукта в дизайне и классических видах изобразительного искусства. Каждый Мастер, интересовавшийся поиском Гармонии, — Пуссен, Леонардо, Рафаэль, Вермеер, Сезанн, Ле Корбюзье, Жолтовский — считал, что он нашел некий «рецепт» построения композиционной формы на основе художественного и научного познания этого сложного мира. Поэтому мы называем их сегодня художниками-интеллектуалами. В тексте приводятся материалы из открытых источников в сети Интернет.

Пропедевтика — это базовый курс введения в специальность, предполагающий ознакомление с законами и средствами объемно-пространственной и плоскостной композиции. Законы искусственно создаваемых композиционных систем подсмотрены творцами у совершенных и прекрасных природных организмов, в окружающем нас мире. Универсальные законы и средства композиции интегрируются в любую художественную деятельность: орнаментальную, шрифтовую композицию, рисунок, живопись (живописная, графическая композиция) в объемно-пространственную композицию архитектуры, скульптуры. Законам композиции подчиняется вся проектная деятельность, формообразование в дизайне. Подчинение и следование законам композиции — это путь к успешному созданию профессионального творческого продукта. Композиционное мышление и видение — ключ к созданию художественного образа, условие перехода от учебной к творческой деятельности. В тексте приводятся материалы из открытых источников в сети Интернет.

Василий Васильевич Кандинский (1866—1944) — один из самых ярких и оригинальных мастеров искусств XX века. Его главным достижением считается абстрактная живопись, относимая к золотому фонду авангардного искусства. Кроме того, он был незаурядным литератором, драматургом и театральным режиссером, теоретиком искусства и педагогом, разработавшим свою методику преподавания искусств. В книге предлагается психологический портрет художника, погруженного в сомнения и поиски, внутренние коллизии, трудные отношения и споры с временем и современниками. Драматические повороты судьбы мастера были таковы, будто он прожил несколько жизней. На страницах книги читатель обнаружит многочисленную плеяду людей искусства и исторических личностей, с которыми Кандинский имел те или иные отношения, — от живописцев России и Германии до крупнейших музыкантов и поэтов разных стран, а также мыслителей и ученых начала и первой половины XX века.

Мягкие навыки — необычайно популярная сейчас тема, но необходимы они были всем и всегда, даже когда о них не говорили так много. Ни один художник не смог бы добиться успеха, просто отточив умение наносить краску на холст. Босху помогало умение рассказать историю (сторителлинг), Ван Гога вдохновляло японское искусство (кросс-культурная коммуникация), а Дали умело создавал личный бренд. Искусствовед Зарина Асфари предлагает учиться навыкам, наблюдая за великими художниками. Согласитесь, куда приятнее развивать в себе клиентоориентированность, зная, как она помогла Рафаэлю отвоевать место под солнцем у Микеланджело и Леонардо. И куда увлекательнее упражняться в креативности, пользуясь методиками сюрреалистов. Кроме истории и теории, в книге есть практические советы по развитию мягких навыков методами, проверенными гениями прошлого и современными творцами.

Александр Дейнека — признанный классик русского искусства ХХ века. Всем известны его полотна, сочетающие пафос и лирику, воспевающие боевые подвиги и мирный труд советских людей. Работая в самых разных жанрах — живопись, скульптура, мозаика, плакат, книжная иллюстрация, — он искренне служил идее коммунизма, но не был обласкан ее жрецами. Всю жизнь его сопровождали обвинения в «формализме» и «космополитизме», доносы и сплетни. В первой полной биографии Дейнеки историк искусств Петр Черемушкин исследует все этапы творчества художника, не оставляя без внимания его активную общественную деятельность и личную жизнь.

В нашей стране Давид Бурлюк известен главным образом как учитель и старший товарищ Владимира Маяковского. Однако фигура Бурлюка невероятно масштабна и интересна сама по себе. «Отец российского футуризма», чьё имя олицетворяло в начале прошлого века в России всё новое и бунтарское в искусстве, он прожил долгую жизнь, написав около 20 тысяч картин и тысячи стихотворений и добившись признания в трёх странах — России, Японии и Америке. О том, как ему удалось это, рассказывает книга писателя, исследователя авангарда Евгения Деменка. Это первая полная биография Давида Давидовича, основанная не только на литературных источниках, но в первую очередь на воспоминаниях самого Бурлюка и архивах членов его семьи. Отдельные разделы посвящены судьбам его братьев и сестёр, которые также были причастны к искусству. Многие сведения о судьбе Бурлюков публикуются впервые.

В первый том вошли работы экспериментального научного семинара «Вещь: время и место», представленные в 2019–2020 гг. Включены теоретические и конкретно-исторические исследования широкого круга цивилизаций, от античности до советского периода, ориентированные на проблемы атрибуции и всестороннего анализа предметного мира человека, — произведения прикладного и высокого искусства, книги, реконструируемые древние изделия и др. Статьи написаны исследователями всех уровней (от студентов до профессоров и академиков) из вузов и научно-исследовательских институтов по всей России и за ее пределами. Для работников музеев, археологов, историков искусства и культуры, преподавателей.

Термин «старые мастера» принадлежит Эжену Фромантену и охватывает в сегодняшнем понимании временной период от эпохи Возрождения до примерно сер. XIX в. Для мастеров масляной живописи указанного периода характерна авторская интерпретация «фламандского» или «итальянского» метода ведения живописной работы. Очень приблизительно можно выделить 3–4 основных этапа работы над живописным полотном т. н. «старыми мастерами»: рисунок композиционный + гризайль (фламандский метод) и (или) цветной подмалевок (итальянский метод) + завершающие цветные лессировки. Аутентичный «фламандский метод» подразумевает длительную и кропотливую работу над гризайлью в технике темперы по клеевому левкасному грунту на древесной основе с последующей лессировкой масляными красками. «Итальянский метод» Тициана, Рембрандта, Рубенса по цветной имприматуре, например, в авторской интерпретации Ю. Клевера, представлял собой пастозный цветной подмалевок ала-прима масляными красками (на масляном грунте холста) с последующей (после высыхания подготовки с примесью «сушки») лессировкой свето-тонального характера на лаке. Современные (учившиеся в СССР и постсоветский период) мастера используют в своей учебной деятельности и творческой практике методику ведения масляной живописи старых мастеров. Преподаватель показывал мне во время учебы в МГАХИ им. В. И. Сурикова на практике как лессировал по его мнению Рембрандт. Интересно интерпретировал методы старых мастеров в соответствии с творческими задачами легендарный монументалист Н. И. Андронов: создавал водорастворимыми красками подмалевок и лессировал самодельными восково-масляными красочными смесями, приготовленными на скипидаре и лаке. Андронов создавал водорастворимые краски на основе цветных глин, собираемых в районе Ферапонтова монастыря, мастерски работал полулессировками мастихином в протирку по контрастным подготовкам, перерабатывая, таким образом, приемы Рембрандта. Очень интересовались приемами работы старых мастеров академики РАХ Никонов П. Ф., Глухов В. А., Лошаков О. Н. В тексте приводятся материалы из открытых источников в сети Интернет.

Александр Дейнека — признанный классик русского искусства ХХ века. Всем известны его полотна, сочетающие пафос и лирику, воспевающие боевые подвиги и мирный труд советских людей. Работая в самых разных жанрах — живопись, скульптура, мозаика, плакат, книжная иллюстрация, — он искренне служил идее коммунизма, но не был обласкан ее жрецами. Всю жизнь его сопровождали обвинения в «формализме» и «космополитизме», доносы и сплетни. В первой полной биографии Дейнеки историк искусств Петр Черемушкин исследует все этапы творчества художника, не оставляя без внимания его активную общественную деятельность и личную жизнь.

Иван Константинович Айвазовский — всемирно известный маринист, представитель «золотого века» отечественной культуры, один из немногих художников России, снискавший громкую мировую славу. Автор около шести тысяч произведений, участник более ста двадцати выставок, кавалер многих российских и иностранных орденов, он находил время и для обширной общественной, просветительской, благотворительной деятельности. Путешествия по странам Западной Европы, поездки в Турцию и на Кавказ стали важными вехами его творческого пути, но все же вдохновение он черпал прежде всего в родной Феодосии. Творческие замыслы, вдохновение, душевный отдых и стремление к новым свершениям даровало ему Черное море, которому он посвятил свой талант. Две стихии — морская и живописная — воспринимались им нераздельно, как неизменный исток творчества, сопутствовали его жизненному пути, его разочарованиям и успехам, бурям и штилям, сопровождая стремление истинного художника — служить Искусству и Отечеству.

Иван Константинович Айвазовский — всемирно известный маринист, представитель «золотого века» отечественной культуры, один из немногих художников России, снискавший громкую мировую славу. Автор около шести тысяч произведений, участник более ста двадцати выставок, кавалер многих российских и иностранных орденов, он находил время и для обширной общественной, просветительской, благотворительной деятельности. Путешествия по странам Западной Европы, поездки в Турцию и на Кавказ стали важными вехами его творческого пути, но все же вдохновение он черпал прежде всего в родной Феодосии. Творческие замыслы, вдохновение, душевный отдых и стремление к новым свершениям даровало ему Черное море, которому он посвятил свой талант. Две стихии — морская и живописная — воспринимались им нераздельно, как неизменный исток творчества, сопутствовали его жизненному пути, его разочарованиям и успехам, бурям и штилям, сопровождая стремление истинного художника — служить Искусству и Отечеству.

Эта книга — введение в историческое исследование искусства. Она построена по крупным проблематизированным темам, а не по традиционным хронологическому и географическому принципам. Все темы связаны с развитием искусства на разных этапах истории человечества и на разных континентах. В книге представлены различные ракурсы, под которыми можно и нужно рассматривать, описывать и анализировать конкретные предметы искусства и культуры, показано, какие вопросы задавать, где и как искать ответы. Исследуемые темы проиллюстрированы многочисленными произведениями искусства Востока и Запада, от древности до наших дней. Это картины, гравюры, скульптуры, архитектурные сооружения знаменитых мастеров — Леонардо, Рубенса, Борромини, Ван Гога, Родена, Пикассо, Поллока, Габо. Но рассматриваются и памятники мало изученные и не знакомые широкому читателю. Все они анализируются с применением современных методов наук об искусстве и культуре. Издание адресовано исследователям всех гуманитарных специальностей и обучающимся по этим направлениям, оно будет интересно и широкому кругу читателей.

Возросший интерес к изучению явления художественных выставок и вопросов их организации связан с тем, что сегодня – это процесс значительно более сложный и многогранный, чем в прежние времена, и сопряжен с многочисленными производственными и концептуальными особенностями. Многообразие выставочных пространств, между которыми происходит постоянная циркуляция и взаимный обмен идей, техник, подходов, специалистов и задач, поражает. Цель настоящего учебного пособия – систематизировать основные концептуальные этапы современного выставочного производства. В основе книги – курс лекций по выставочному менеджменту, который автор читал на базе Московского международного университета и в первую очередь адресована студентам, обучающимся по специальностям «Менеджмент в культуре», «Арт-менеджмент», «Реклама и Связи с общественностью».

Концепция книги является результатом совместного труда специалистов в области археологии, искусствознания и реставрации в целях изучения места и роли этих наук в формировании художественного видения различных эпох. Рассматриваются роль эпиграфики, картографии и реставрации в формировании исторических особенностей художественного видения различных эпох, способов понимания и художественной репрезентации истории, а также смена художественно-исторических визуальных парадигм в разных культурных контекстах. Интерпретируются художественные стили, произведения, их образно-стилистическая семантика.

Монография посвящена многолетней истории иллюстрирования монументального издания поэмы Данте Алигьери «Божественная комедия» итальянским художником А. Наттини в 1910–1930-е гг. Публикация поэмы, подготовленная А. Наттини, стала заметным событием культурной жизни Италии, представляя собой выражение культа Данте в тот противоречивый исторический период, когда политика и культура становятся особенно взаимосвязанными. Данное издание «Божественной комедии» стало предпосылкой для создания в 1930-е гг. архитектурных утопических проектов, прославляющих средневекового поэта и ранее не изученных. История художественного оформления А. Наттини поэмы Данте, открывая современному читателю новые имена итальянской культуры, объединила таких выдающихся ее представителей как Г. д’Аннунцио, Дж. Терраньи и др. Монография рассматривает области искусства, литературы, культуры и политики Италии первой трети XX столетия.

В книге представлено первое полное исследование широко используемого, но малоизученного термина «пастиш» и его употребления. Ричард Дайер утверждает, что, хотя этот термин применим к работам, содержащим коллаж, он также может использоваться для описания произведений, сознательно имитирующих предшествующие произведения. На примерах классических литературных пастишей Пруста и текстов в тексте (пьеса в пьесе в «Гамлете», шоу внутри шоу в мюзикле «Безумства») автор рассматривает использование термина «пастиш» для описания имитаций, рассчитанных на то, чтобы их понимали и распознавали именно как имитации. Далее автор анализирует отношения пастиша с жанром, критикой и эмоциями и подробно разбирает широкий спектр примеров — «Мадам Бовари», «Щелкунчик», «Афроамериканская симфония», спагетти-вестерны («Однажды на Диком Западе»), неонуары и фильм «Вдали от рая». Дайер ратует за то, чтобы признать ценность пастиша как практики, которая идет вразрез с некоторыми общими местами критической дискуссии, показывая, что произведение может критически относиться к чему-то, не превращаясь в пародию, и способно признавать историю своего эмоционального воздействия, продолжая при этом затрагивать наши чувства.

Учебно-методическое пособие «Особенности развития художественной культуры Византии и ее влияние на культуру Древней Руси» предназначено для средних специальных учебных заведений культуры и искусства. Учебное пособие предназначено для студентов, обучающихся по специальности 51.02.02 «Социально-культурная деятельность» . Представленное учебное пособие включает конспекты лекций для изучения разделов «Искусство восточного и западного христианства средневековья» и «Искусство средневековой Руси» программы учебной дисциплины История искусства. В пособии раскрываются основные понятия темы «Искусство Византии», такие как: мозаичная монументальная живопись, Византия — родина иконописи, технология иконописи, храмовое зодчество, а также рассматривается влияние Византии на культуру Древней Руси. Пособие составлено в соответствии с требованиям к знаниям и умениям ФГОС СПО, обучающихся по специальности 51.02.02 «Социально-культурная деятельность».

В книге приведены исторические параллели развития музыки и живописи. Представлены рецензии на рок-темы, а также перечень дисков, которые должны присутствовать в коллекции меломана. Текст публикуется в авторской редакции.

В пособии в краткой, тезисной форме рассматриваются важнейшие этапы развития изобразительного искусства, достаточно подробно освещается самостоятельная работа учащихся, правила оформления рефератов, предлагается список литературы, рекомендуемый для самостоятельного изучения. В Приложении публикуется словарь специальных терминов по данному курсу. Данное пособие предназначено для учащихся средних профессиональных учебных заведений обучающихся по специальностям: 50.02.01 Мировая художественная культура, 51.02.01 Народное художественное творчество, 52.02.04 Актерское искусство, 54.02.02 Декоративно-прикладное искусство и народные промыслы, 54.02.04 Реставрация, 54.02.05 Живопись, 54.02.07 Скульптура.

Пособие с учебными и методическими материалами по основным разделам курса «История искусств» предназначено для бакалавров высших учебных заведений культуры и искусств (специальности «Народное художественное творчество», «Народная художественная культура», «Социально-культурная деятельность»), а также для студентов гуманитарных кафедр и факультетов технических институтов и университетов (специальность «Связи с общественностью»). В пособии в краткой, тезисной форме рассматриваются важнейшие этапы развития изобразительного искусства, представлены темы семинарских занятий, достаточно подробно освещается самостоятельная работа студентов, правила оформления рефератов, предлагается список литературы, рекомендуемый для самостоятельного изучения. В Приложении публикуется словарь специальных терминов по данному курсу.

Данное учебное пособие по английскому языку направлено на усвоение профессионально ориентированного языка искусствоведов. На материале оригинальных работ англоязычных искусствоведов студенты отрабатывают лексико-грамматический материал и развивают языковую, речевую, культурную и профессиональную компетенции. Данное учебное пособие предназначено для студентов-магистрантов Отделения истории и теории искусства, изучающих всемирное искусство.

В этой книге известный антиковед Мэри Бирд предлагает новый взгляд на идею цивилизации, а также на ту роль, которую в ней играют художественные изображения. В фокусе ее внимания находятся изображения человеческого тела и богов в разных религиях, а также сопутствовавшие этим изображениям полемика и конфликты. Для просвещенного и заинтересованного читателя книга — уникальная возможность совершить вместе с автором экскурс в историю искусств, «посетить» уникальные исторические памятники и изучить некоторые шедевры мирового художественного искусства. Но главное — знакомство с этой книгой позволяет раздвинуть границы мировосприятия и приблизиться к ответам на некоторые важнейшие вопросы, стоящие перед каждым из нас: к чему я принадлежу и каково мое место в истории человечества?

В этой книге выдающегося историка искусств Эрнста Гомбриха рассматриваются особенности изображения теней в западной живописи. Автор обращает наше внимание на то, что обыкновенно ускользает от зрительского взгляда: почему тени появляются на живописных полотнах лишь изредка и для чего их использует художник? Начиная с эпохи Возрождения в одних случаях мастера подчеркивали их резкость, в других — намеренно уходили от их изображения. На примере знаменитых полотен автор показывает, как живописцы и графики разных направлений — от романтизма и импрессионизма до сюрреализма — использовали тени для придания изображению большей реалистичности или драматизма. Рассматривая восприятие теней в мифологии и западной философии, Гомбрих анализирует факторы, определяющие их изображение: форму, расположение, источник света, а также положение зрителя. Книга рассчитана на широкий круг читателей и всех интересующихся историей искусства.

Знаете ли вы, что даже 10 минут занятий рисованием в день наполняют жизнь радостью, помогают снять стресс, развивают память, воображение и логику? Вдохновляющее руководство художника Дэнни Грегори сделает творчество частью вашей жизни, даже если вы очень заняты и времени не хватает вообще ни на что. До краев полная стратегий и идей, эта книга учит выкраивать время для творчества в любых обстоятельствах. Не умеете рисовать? Не беда! Оптимистичный подход автора, короткие простые упражнения и практические инструкции по техникам и материалам быстро помогут вам научиться рисовать, даже если вы никогда этого не делали. Ваши навыки будут совершенствоваться, а вы сами — получать огромное удовольствие от процесса и результатов. Сами не заметите, как начнете рисовать буквально везде: в самолете, на совещании или за завтраком — и ежедневное творчество станет вашей хорошей привычкой.

Авторы этой книги познакомились, когда следователь финской полиции Юрки Сеппяля вызвал журналиста криминальной хроники Ристо Румпунена на допрос. Их сотрудничество вылилось в подробное и всестороннее исследование мошенничества в мире искусства. Они собирали информацию на основании собственных заметок, интервью с мошенниками, протоколов допросов, судебных решений и архивных материалов. В книге они рассказывают о преступлениях в Финляндии, в России и по всему миру, говорят о том, что происходило сотни лет назад и в наши дни, объясняют, как подделывают картины и как эти подделки обнаруживают. Некоторые истории настолько невероятны, что могут даже показаться выдуманными, однако все они реальны.

Принцип «Меньше значит больше» стал мантрой современных гуру минимализма, которые обещают, что избавление от избыточного количества вещей — это ключ к решению большинства проблем. Минимализм приобрел огромную популярность. Появилась целая индустрия, которая предлагает модные дизайны интерьеров, минималистичные бренды одежды, гаджеты, книги, подкасты, посвященные этому направлению. Кайл Чайка, известный культурный обозреватель, критик, искусствовед на протяжении многих лет изучает минималистские тренды. Он считает, что причины нашего стремления к освобождению от лишнего значительно глубже, чем мы думаем. Поиски приводят автора к философским и духовным истокам минимализма, а также к историям истинных минималистов — художников, архитекторов, музыкантов. Чайка исследует их необыкновенную жизнь, взлеты и падения, места, где они работали — от лофтов Манхэттена до пустыни Техаса и переулков Киото, — и приходит к выводу, что избавление от вещей и прослушивание тематических подкастов не может мгновенно сделать вас счастливее. Минимализм — это не болезнь и не лекарство, это еще одна попытка прожить эту жизнь осознанно и правильно.

Вы хотите познакомиться лично с Пикассо? Или Дали, или Мунком… И ждёте, когда наконец изобретут машину времени и встреча с гениями прошлого станет возможной? Искусствовед Зарина Асфари тоже ждёт. А пока — в своих лекциях и на страницах этой книги — создаёт альтернативную реальность, в которой это уже возможно. Зарина соединила магию театра с историей искусства, чтобы ваше погружение в мир прекрасного стало по-настоящему эмоциональным и незабываемым! Эта книга позволяет художникам самим рассказать вам о себе так, как этого не сделает ни один биограф. Так, будто вы подслушиваете их мысли. Книга построена как игра: вы не знаете, кто сейчас перед вами, и в процессе знакомства угадываете героя. Эта книга подарит вам удовольствие и знания, которыми вы сможете блеснуть даже в самой просвещённой компании.

Книга посвящена изучению истории взаимодействия естественных наук и изобразительного искусства. Авторы обращают внимание на пути развития образного языка пейзажа, портрета, натюрморта, декоративно-прикладного и садово-паркового искусства, прослеживают, какую роль в их развитии играли оптика, анатомия, перспектива, геометрия, физика, геология, ботаника, зоология. Читателю предлагается широкий междисциплинарный охват исторических взаимосвязей науки и искусства, позволяющий составить общее представление о путях развития заданной в сборнике исследовательской парадигмы.

Эта книга посвящена антропологическому анализу феномена русского левого авангарда, представленного прежде всего произведениями конструктивистов, производственников и фактографов, сосредоточившихся в 1920-х годах вокруг журналов «ЛЕФ» и «Новый ЛЕФ» и таких институтов, как ИНХУК, ВХУТЕМАС и ГАХН. Левый авангард понимается нами как саморефлектирующая социально-антропологическая практика, нимало не теряющая в своих художественных достоинствах из-за сознательного обращения своих протагонистов к решению политических и бытовых проблем народа, получившего в начале прошлого века возможность социального освобождения. Мы обращаемся с соответствующими интердисциплинарными инструментами анализа к таким разным фигурам, как Андрей Белый и Андрей Платонов, Николай Евреинов и Дзига Вертов, Густав Шпет, Борис Арватов и др. Объединяет столь различных авторов открытие в их произведениях особого слоя чувственности и альтернативной буржуазно-индивидуалистической структуры бессознательного, которые описываются нами провокативным понятием «коллективная чувственность». Коллективность означает здесь не внешнюю социальную организацию, а имманентный строй образов соответствующих художественных произведений-вещей, позволяющий им одновременно выступать полезными и целесообразными, удобными и эстетически безупречными.

Рынок искусства — одна из тех сфер художественной жизни, которые вызывают больше всего споров как у людей, непосредственно в нее вовлеченных, так и у тех, кто наблюдает за происходящим со стороны. Эта книга рассказывает об изменениях, произошедших с западным арт-рынком с начала 2000‑х годов, о его устройстве и противоречиях, основных теоретических подходах к его анализу. Арт-рынок здесь понимается не столько как механизм купли-продажи произведений искусства, но как пространство, где сталкиваются экономика, философия, искусство, социология. Это феномен, дающий поводы для размышлений о ценности искусства, позволяющий взглянуть на историю взаимоотношений мира искусства и мира денег, разобраться в причинах, по которым коллекционеры чувствуют необходимость покупать работы художников, а художники — изобретать альтернативные пути взаимодействия с рынком.

Книга известного историка средневекового искусства Ролана Рехта предлагает современное объяснение искусства собора как визуальной художественной системы, включающей в себя архитектуру, скульптуру, монументальную живопись, мелкую пластику. на материале многочисленных схоластических текстов и литературных памятников на латыни, средневерхненемецком и старофранцузском подробно рассматриваются общекультурные и религиозные условия жизни, изменения в системе ценностных ориентаций западноевропейского общества позднего Средневековья. широкие, зачастую смелые обобщения сочетаются в этой работе с описанием и анализом конкретных памятников: от великих, «классических» соборов — Шартра, Реймса, Буржа и других — до храмов мало изученных, а также небольших предметов ювелирного искусства, хранящихся в музеях всего мира.

Цель книги искусствоведа Сергея Кавтарадзе — максимально простым и понятным языком объяснить читателю, что такое архитектура как вид искусства. Автор показывает, как работают механизмы восприятия архитектурного сооружения, почему зритель получает от него эстетическое удовольствие. Книга учит самостоятельно видеть и анализировать пластические достоинства формы и бесконечные слои смыслового наполнения архитектурных памятников, популярно излагая историю европейских стилей и логику их развития.

Вниманию читателя предлагается сборник статей по материалам работы первой международной научной конференции «Библейские и литургические темы и образы в искусстве Востока и Запада: диалог культур, традиция и современность», проведенной 18–19 ноября 2015 г. в Москве на базе факультета истории искусства РГГУ и кафедры церковного искусства Московской духовной академии. Представлены результаты новейших исследований в сфере религиозного искусства России, Западной Европы, Византии и др., затрагиваются животрепещущие вопросы религиозных и культурных взаимоотношений и традиций Востока и Запада.